Diese Woche tun wir das Gegenteil und gleichen die kosmischen Waagen aus, indem wir zehn Alben handverlesen, die wir für unterschätzt halten. Das sind Aufnahmen, die entweder zu Unrecht kritisiert, zu leicht übersehen oder einfach vergessen wurden. Wie auch immer, sie verdienen mehr Liebe.

Ohne weitere Umschweife hier die unterschätzten Juwelen, die Sie in Ihren Ohren und Ihrer Sammlung benötigen.

Jeri Southern - You Better Go Now (1956)

Kennst du Jeri Southern? Wenn nicht, ist das verständlich. Ich kannte sie ebenfalls nicht, bis ich sie in einem Plattenladen spielen hörte und hektisch meine vertraute Shazam‑App zückte. Das Lied stammte aus ihrem wunderschönen 1956er Album „You Better Go Now“. Southern war zu ihrer Zeit keineswegs unbekannt: Frank Sinatra und Miles Davis galten als riesige Fans, und sie nahm sogar die erste Gesangsversion von „When I Fall in Love“ auf. Heute ist ihr Name jedoch weitgehend aus dem Gespräch verschwunden. Ein Grund dafür könnte ihre lähmende Bühnenangst sein, die sie schließlich von der Bühne zurückzog, während Zeitgenossen wie Peggy Lee, Julie London, Ella Fitzgerald und Doris Day zu Hausnamen wurden. Drückst du jedoch Play bei dieser Platte, wirst du sofort in eine verträumte, wunderschön arrangierte Welt von Romantik, Sehnsucht und Herzschmerz gezogen, alles präsentiert von Southerns angenehm zurückhaltender Stimme. Also… You Better Go Now und hör dir dieses vergessene Juwel an. TF

Labi Siffre – Crying Laughing Loving Lying (1972)

Wenn ich auf einer einsamen Insel mit einem Plattenspieler und nur einer Handvoll LPs stranden müsste, würde Labi Siffres drittes Studioalbum definitiv dabei sein. Der englische Sänger‑Songwriter‑Poet‑Autor mit einer Stimme, die Engel zum Weinen bringen würde, schuf ein zugleich erhebendes und bittersüßes Album für die Ewigkeit. Es lässt dich weinen, lachen und lieben wollen. Was das Lügen betrifft, das kommt nur, wenn du nach dem Hören nicht zu dem Schluss kommst, dass dies ein transzendentes Werk von Schönheit ist, das viel zu lange unterschätzt wurde. Die Art, wie Siffre seine emotionale Verwundbarkeit nutzte, um diese confessionalen und wirklich bewegenden Lieder zu formen, ist erstaunlich, und jeder Track wirkt eindringlicher als der vorherige. Erfreulicherweise erlebt Siffre kürzlich eine Art Wiederaufleben in der Popkultur, da neue Generationen seine großartige Musik entdecken. Einige seiner Stücke wurden häufig gesampelt – vielleicht am bekanntesten von Kanye West für „I Wonder“ („My Song“); seine Songs „Crying Laughing Loving Lying“ und „Cannock Chase“ wurden jeweils in The Holdovers und dem Oscar‑nominierten Sentimental Value verwendet; und sein Song „Bless The Telephone“ ging im letzten Jahr viral auf TikTok. Hoffentlich ist das ein Zeichen dafür, dass dieses Album allmählich weniger unterschätzt und endlich zum unverzichtbaren Meisterwerk erhoben wird. Der inzwischen 80‑jährige Siffre soll laut Berichten bis Ende 2026 ein neues Album veröffentlichen – sein erstes seit 28 Jahren. Wie gesagt, ich bin begeistert. DM

Bill Withers - +'Justments (1974)

Bill Withers’ '+'Justments' wird kriminell übersehen. 1974 veröffentlicht, war es sein drittes Studioalbum, geriet jedoch weitgehend in den Schatten seiner bekannteren Werke. Es gibt so viel zu lieben an diesem Stück. „You“ und „The Same Love That Made Me Laugh“ verwandeln das Aufruhr von Withers’ zerfallender Ehe in kraftvollen, groove‑getriebenen Soul, während die zurückgenäherten „Can We Pretend“ und „Make A Smile For Me“ zu den schönsten sehnsuchtsvollen Songs gehören, die er je aufgenommen hat. Wie gesagt, seine Stimme ist durchweg majestätisch. Withers hatte bereits viel erlebt, bevor er zum Star wurde – neun Jahre bei der Marine, Tätigkeiten als mechanischer Monteur in Fabriken im ganzen Land – und '+'Justments' fühlt sich an, als wären all diese Erfahrungen in zehn Tracks destilliert. Es verdient viel mehr Liebe, als es bekommt. Kurz gesagt: Das ist ein Meisterwerk. TF

Cocteau Twins & Harold Budd – The Moon And The Melodies (1986)

Wir haben wahrscheinlich alle schon von Cocteau Twins gehört. Das schottische Trio half, Dream‑Pop zu definieren, dank ihrer schimmernden Gitarren, nebulösen Produktion und Elizabeth Frasers unverwechselbarer Stimme, wobei „Heaven or Las Vegas“ ihr bekanntestes Kritiker‑Lieblingsexemplar wurde. Kombiniert man sie jedoch mit dem pionierhaften Ambient‑Komponisten Harold Budd, entsteht 1986 das Album „The Moon and the Melodies“ – ein Werk, das scheinbar durch die Ritzen der Musikhistorie gerutscht ist. An diesem Album ist etwas unglaublich Besonderes, zu dem ich immer wieder zurückkehre. Wie der Titel vermuten lässt, beschwört es eine verträumte, nächtliche, himmlische Atmosphäre herauf: dunkel, aber seltsam tröstlich. Es gibt beeindruckende Stücke wie „Sea, Swallow Me“ und „She Will Destroy You“, die den bekannten Sound der Band bieten, während „The Ghost Has No Home“ und „Bloody and Blunt“ stärker in Budds Ambient‑Gebiet vordringen. Irgendwie verschmelzen beide Stile perfekt. „Why Do You Love Me“ ist meiner Meinung nach einer der schönsten, gespenstischsten Instrumentals überhaupt. Für ein so prachtvolles Album hat „The Moon and the Melodies“ nicht die gleiche Begeisterung erhalten wie andere Aufnahmen ihres Katalogs. Und ehrlich, das ist kriminell. TF

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Fleetwood Mac – Tango In The Night (1987)

Wenn Menschen über Fleetwood Mac sprechen, dann entweder, um „Rumours“ als eines der größten Alben aller Zeiten zu loben (oder vielleicht nicht, wie mein illustre Kollege argumentiert hat), oder um zu kommentieren, wie „Tusk“ ein wahnsinniges Meisterwerk ist. Dann gibt es jene, die die Aufnahme von „Rumours“ als Aufmunterung nutzen, à la: „Wenn Fleetwood Mac Rumours während eines wilden, monatelangen Koksrauschs schreiben konnte, während sie sich alle voneinander trennten, dann kann ich diese Woche überstehen.“ Um fair zu sein, ist das ein verdammt nützliches Mantra. Dennoch erwähnen nur wenige das übersehene „Tango In The Night“, das letzte Album der Band mit der klassischen Fünf‑Mitglieder‑Besetzung, nachdem Lindsey Buckingham beschloss, seinen eigenen Weg zu gehen… Sie sollten es wirklich tun, denn es ist 80er‑Jahre‑cinematics‑Pop‑Brillanz, mit Hit nach Hit – von „Big Love“ und „Seven Wonders“ bis „Everywhere“, „Little Lies“ und „Isn’t It Midnight“. Zugegeben, das Album verkaufte über 15 Millionen Exemplare (der zweite größte kommerzielle Erfolg der Band), aber es wirkt kalt, wenn man im Schatten von „Rumours“ lebt. „Tango In The Night“ soll angeblich 18 Monate Aufnahmezeit gekostet haben, und Stevie Nicks’ berüchtigte Kokainabhängigkeit half nicht weiter; aber für mein Geld war es den Aufwand wert. Es mag nicht die rohe Rock‑Energie ihrer vorherigen Aufnahmen besitzen, und es ist unbestreitbar manchmal kitschig… Aber welch glorioser Käse. Es ist an der Zeit, „Rumours“ beiseite zu legen und diesem Album das „Big Love“ zu geben, das es wirklich verdient. DM

AZ - Doe Or Die (1995)

„Doe or Die“ erschien 1995, mehr als ein Jahr nach Nas' wegweisendem „Illmatic“ – dem Album, das AZ den meisten Hörern mit seinem unvergesslichen Vers in „Life’s a Bitch“ vorstellte – arguably einer der größten Cameos in der Rap‑Geschichte. Ein schwer zu übertreffendes Werk, zumindest, und nicht geholfen durch Mobb Deeps Veröffentlichung von „The Infamous“ im selben Jahr. Ein Vergleich ist unvermeidlich. „Doe or Die“ hatte vielleicht nicht die perfekte Kohäsion oder den gleichen kulturellen Einfluss wie „Illmatic“, aber als Porträt des rauen New York der 1990er hält es stand. Nur wenige Hip‑Hop‑Alben können eine Dreier‑Sequenz besser vorweisen als „Gimme Yours“, „Ho Happy Jackie“ und „Rather Unique“, während AZ’ Delivery durchgehend unmöglich glatt ist über die 45‑minütige Laufzeit. Zu oft wird „Doe or Die“ reduziert zu „das Album des Typen, der bei Illmatic war“. Es verdient seine Blumen. TF

Beck – Midnite Vultures (1999)

Fragt man irgendeinen Beck‑Fan nach seinen Lieblingsalben, hört man höchstwahrscheinlich Titel wie „Mellow Gold“, „Odelay“, „Sea Change“ und das Grammy‑gekrönte Album des Jahres 2015 „Morning Phase“. Alles gute Wahl, aber sie haben „Midnite Vultures“ übersehen. Es ist ein schräger, absurdistischer, grooviger, geiler und geradezu dummer Mix aus Synth‑Funk und R&B, der dich von Ohr zu Ohr grinsen lässt. Der Opener „Sexx Laws“ und seine Trompeten bringen dich in Stimmung; „Nicotine & Gravy“ ist eine Ode an beide Dinge; „Mixed Bizness“ lässt „alle B‑Boys schreien“; „Real Get Paid“ ist ein sinnlicher Track, maßgeschneidert für jeden selbstbewussten Freak‑Orgysoundtrack; „Peaches & Cream“ ist ebenfalls eine suggestive Ode an beide Dinge; und „Pressure Zone“ ist ein ironischer Pop‑Rock‑Song mit einem entzückenden Messer‑Zug‑/Slasher‑Film‑Soundeffekt zum Auftakt. Und wie beendet man ein solches verspieltes Durcheinander? Mit einer faux‑Prince‑Soul‑Nummer namens „Debra“, genau so. Gott, ich liebe diese seltsam unterschätzte Torheit. DM

Coldplay – Parachutes (2000)

Coldplay haben Hunderte Millionen Platten verkauft, daher wirkt es etwas lächerlich, ihr Debütalbum „Parachutes“ als „unterschätzt“ zu bezeichnen. Aber auf seltsame Weise ist es das auch. Die Hits „Yellow“ und „Sparks“ bleiben weit verbreitet beliebt (zu Recht), doch fragt man jemanden nach einem weiteren Track des Albums, bekommt man wahrscheinlich einen leeren Blick. Geht man jedoch zurück zum Album, gibt es so viel zu genießen. „Don’t Panic“, „Spies“, „Shiver“ und „High Speed“ sind schöne, zurückhaltende Songs, die ein Coldplay zeigen, das die meisten Menschen anscheinend vergessen haben. Es ist ein unglaublich solides Debüt: warm, melancholisch, romantisch und erfrischend unkompliziert. Es ist Chris Martin in seiner sehnsuchtsvollsten Form. Keine Sprünge ebenfalls. Bevor sie zu der stadionfüllenden Band wurden, die viele lieben zu hassen, waren sie einfach nur extrem gut im Songschreiben. „Parachutes“ ist der Beweis. TF

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Massive Attack – 100th Window (2003)

Bristols Trip‑Hop‑Legenden hatten von 1991 bis 1998 eine beeindruckende Laufbahn, mit dem wegweisenden „Blue Lines“, dem verträumten „Protection“ und ihrem Magnum‑Opus „Mezzanine“. Dann kam „100th Window“ – das letztlich ein Solo‑Album von Robert „3D“ Del Naja wurde. Andrew „Mushroom“ Vowles verließ die Band nach „Mezzanine“ und Grant „Daddy G“ Marshall verzichtete auf die Produktion, sodass nur 3D das Ruder übernahm. Stilistisch war das vierte Album anders, ohne Sampling und ohne Hip‑Hop‑/Jazz‑Prog‑Fusion. Der regelmäßige Mitwirkende Horace Andy war weiterhin im Aufnahmestudio zu finden, ebenso wie Gastvokalistin Sinéad O’Connor, die auf drei der neun Tracks zu hören war. Trotz dessen, was Album‑Rankings sagen, ist das Ergebnis ein unheilvolles und texturiertes Werk, das zu Unrecht als mittelmäßig abgetan wird. O’Connors Gesangsperformance ist atemberaubend, besonders auf dem traurigen „What Your Soul Sings“ und dem Album‑Highlight „Special Cases“, während 3Ds gespenstische Darbietung auf Tracks wie „Future Proof“ und „Butterfly Caught“ Gänsehaut erzeugt. „100th Window“ mag nicht zu den am meisten gefeierten Werken der Band gehören; aber es ist zweifellos ihr am meisten unterschätztes Album. DM

Tom Waits – Real Gone (2004)

Wie anachronistisch Tom Waits bis 2004 auch gewesen sein mag, nichts bereitete die Hörer darauf vor, dass der legendäre Künstler ein von Hip‑Hop inspiriertes Album herausbringt. Und selbst wenn es nicht zu seinen bahnbrechenden Werken wie „Swordfishtrombones“, dem Karriere‑Höhepunkt „Rain Dogs“ oder dem meisterhaften „Mule Variations“ gehört, ist es ein Album, das viel mehr Liebe verdient. Es enthält lebhafte Grooves und Turntables anstelle seines üblichen Klaviers, sowie etwas Beatboxing von Waits – der eine völlig neue Palette an vokalen Ticks und Brüllen annahm – und „Real Gone“ integrierte neue Einflüsse, ohne die Kernfans zu entfremden. Die erste Hälfte des 72‑minütigen Lärms ist makellos und reich an Eindrücken; und obwohl es im zweiten Teil ein paar Flauten gibt, ist der letzte Track „Day After Tomorrow“ unglaublich und einer der offensten politischen Songs seiner Karriere. Bis „Boots On The Ground“ erschien, das war es. „Real Gone“ wurde bei seiner Veröffentlichung von Kritikern meist als lärmendes Durcheinander abgetan – und sie lagen falsch. Es ist ein erfinderisches, überraschendes und lebendiges Album, das wie ein guter Wein gealtert ist. Kein Abwerten von Waits’ „Bad As Me“ (2011), seinem bislang letzten Studioalbum, aber „Real Gone“ ist das letzte große Werk des musikalischen Dadaisten. Hoffentlich nicht sein letztes. Es sind 15 Jahre, Tom. Und ich brauche einen Fix. DM

Da haben wir es. Kennst du eines davon? Haben wir deine Meinung geändert? Melde dich gern. Bitte nicht melden, wenn du immer noch sauer bist über die überbewertete Liste von letzter Woche. Die Eagles sind immer noch schlecht, und das Daft‑Punk‑Album ist nicht so großartig, wie du dich erinnerst.